24.05.2019 - Siroco Lounge

  • Los Niños Terribles

FleboCollect

  • FleboCollect . La leishmaniosis es una enfermedad que afecta principalmente a los perros, de hecho en la Comunidad de Madrid existe un alto porcentaje de caninos infectados. Además, desde el segundo semestre del año 2009 se han disparado todas las alertas debido al inicio de un brote de leishmaniosis humana en la zona suroeste de la Comunidad de Madrid (principalmente en municipios de Fuenlabrada, Leganés, Getafe y Humanes de Madrid). Este brote, a pesar de...
  • FleboCollect . La leishmaniosis es una enfermedad que afecta principalmente a los perros, de hecho en la Comunidad de Madrid existe un alto porcentaje de caninos infectados. Además, desde el segundo semestre del año 2009 se han disparado todas las alertas debido al inicio de un brote de leishmaniosis humana en la zona suroeste de la Comunidad de Madrid (principalmente en municipios de Fuenlabrada, Leganés, Getafe y Humanes de Madrid). Este brote, a pesar de...

Las 10 Mejores Exposiciones de Arte en Nueva York

  •  Actualizado el 20 de Mayo de 2019.

    Comparto con vosotros lo que, para mí, son las mejores y más interesantes exposiciones en Nueva York, en este momento. Continúo así la serie iniciada con las Exposiciones en Madrid, Londres y París. Al igual que en artículos anteriores, os recuerdo que esta lista se actualizará periódicamente.  

     

     

     

     

    Brooklin Museum

     

    08 diciembre winogrand

     

    Garry Winogrand - Color

    Hasta el 7 de Diciembre

     

    Esta es la primera exposición dedicada hasta la fecha a las fotografías en color de Garry Winogrand, uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. La obra de Winogrand es conocida sobre todo por sus instantáneas en blanco y negro, mientras que sus trabajos a color permanecen prácticamente olvidados. Por esta razón, la muestra organizada por el Brooklin Museum es una fantástica ocasión para recuperar su deliciosas diapositivas a color: más de 45.000 piezas, realizadas entre principios de los años 50 y finales de los 60. La exposición está estructurada en forma de instalación envolvente, compuesta de más de 400 imágenes a color (muchas de ellas nunca expuestas hasta la fecha) que capturan el pasaje social y fisico de la ciudad de Nueva York y otros puntos de los EEUU. Una magnífica ocasión para recuperar un corpus de obra muy especia de un artista de referencia.

     

     

    Separador entre exposiciones Londres

     

     

    MoMA

     

    02 septiembre simone fattal

     

    Simone Fattal - Works and Days

    Hasta el 2 de Septiembre

     

    La exposición Trabajos y Días explora la obra de la artista líbano-estadounidense Simone Fattal, siendo la primera muestra en solitario que se le dedica en los Estados Unidos. La selección reúne más de doscientas obras realizadas a lo largo de las cinco últimas décadas. Incluye esculturas (abstractas y figurativas), pinturas, acuarelas y collages, generados a partir de una gran riqueza de fuentes. Narrativas bélicas, historia antigua, poesía sufí, pintura de paisaje y mitología se entremezclan y fusionan para reflejar el impacto del destierro, así como las políticas relacionadas con la arqueología y las excavaciones. De hecho, estos dos temas subyacen en todo el corpus de obra de Fattal y aparecen constantemente en sus piezas. La artista navega entre las aguas de la abstracción y el figurativismo, combinando ambos espectros en ocasiones con singular maestría: la fragilidad del ser humano queda reflejada en todas sus obras, a veces poéticas, a veces desoladoras.

     

     

    Separador entre exposiciones Londres

     

     

    MET Breuer

     

    02 junio GOAT Siah Armajani 1200

     

    Siah Armajani - Follow This Line

    Hasta el 2 de Junio

     

    Con cerca de un centenar de obras realizadas a lo largo de los últimos 60 años, Siah Armajani: Follow This Line (Siga Esta Línea) es la primera gran retrospectiva sobre la obra del artista iraní-americano organizada hasta la fecha en los Estados Unidos. Cuando todavía era estudiante (y activista) en el Teherán de los años 50 del siglo XX, Armajani confeccionaba collages con aspecto de panfletos políticos en los que prefiguraba ya muchas de las cuestiones que hoy relacionamos con el arte conceptual norteamericano. La muestra incluye un gran número de obras recientemente descubiertas, nunca expuestas hasta la fecha, así como algunas series de la pieza icónica del artista, Diccionario para Construir. La exposición nos permite mirar el entorno a través de los ojos de Armajani, mostrándonos cómo desarrolla su propia estética sobre el exilio, al tiempo que se cuestiona cuál es el rol del público americano de hoy frente al arte.

     

     

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    Separador entre exposiciones Londres

     

     

    MoMA

     

    15 junio birth of the world

     

    Joan Miró - Birth of the world

    Hasta el 15 de Junio

      

    En 1924, Joan Miró pinto una obra fundamental en su trayectoria artística: un lienzo al que sus compañeros surrealistas nombraron “El nacimiento del mundo" inspirado en su fuerte conexión con la poesía, el proceso creativo y la experimentación con los materiales. En esta pieza clave, el artista catalán cubrió el fondo del enorme lienzo con un gran despliegue de tonos cromáticos, inspirados en los cambiantes procesos de la lírica. A continuación añadió una serie de signos pictográficos (que parecen más bien dibujados que pintados) con los que consiguió transformar la sintaxis, el espacio pleno de constelaciones y el imaginario onírico de la poesía de vanguardia en una nueva forma de pintura, imaginativa e inventiva como pocas. Más tarde, Joan Miró describiría este lienzo como “una especie de génesis”. La muestra del MoMA sitúa esta pieza en el centro de la selección, acompañándola de otras obras maestras del artistas procedentes de la colección del museo y de préstamos de otras instituciones.

     

       

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    Separador entre exposiciones Londres 

     

     

    New Museum

     

    09 junio jeffrey gibson

     

    Jeffrey Gibson - The anthropophagic effect

    Hasta el 9 de Junio

     

    En la exposición El efecto antropofágico, el artista Jeffrey Gibson explora las historias materiales y el futuro de distintas técnicas y estampados artesanales realizados por nativos americanos. Su trabajo están inspirado en los objetos funcionales y decorativos con siglos de antigüedad, que se confeccionaban en América mucho antes de que los colonos europeos desembarcasen en las costas del continente. El nombre de la muestra se inspira en el Manifiesto Antropofágico escrito en 1928 por Osvaldo de Andrade, donde se indica que las comunidades indígenas podrían llegar a devorar la cultura de los colonizadores como forma de rechazo a la dominación, llevando a la cultura occidental a su propio terreno. Gibson constata que los diseños y técnicas nativos se han empleado históricamente “para marcar la identidad, contar relatos, describir lugares y establecer una especificidad cultural”. En la muestra, el artista expone una serie de nuevas indumentarias que cobran vida en performances y sesiones fotográficas.

     

      

    Separador entre exposiciones Londres

       

     

    Gugenheim Museum

     

    10 julio mapplethorpe

     

    Robert Mapplethorpe - Implicit Tensions (I)

    Hasta el 10 de Julio

     

    En 1993, el Museo Guggenheim de Nueva York recibió una donación consistente en alrededor de 200 fotografías y objetos personales de la Fundación Robert Mapplethorpe. Dieciséis años después, el museo celebra la permanente influencia de la obra del gran y polémico fotógrafo con una exposición formada por dos secuencias. La muestra Implicit Tensions está formada por dos partes: la primera, actualmente en activo, se centra en los primeros trabajos de Mapplethorpe. La selección incluye polaroids, collages y obras de técnica mixta, así como fotografías icónicas de desnudos masculinos y femeninos, retratos, bodegones, autorretratos plenos de sinceridad y reflejos de la escena underground de Nueva York. La segunda parte se inaugurará en el mes de julio y se mantendrá expuesta hasta enero de 2020.

     

     

     

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Oyún

  • Lugar de celebración:- Explanada multiusos Madrid Río (Paseo de la Chopera 6 Madrid). Oyún. En Oyún (del turco juego) todo gira en torno a las ollas y otros elementos cotidianos y a medida que va construyendo un artefacto en equilibrio, el malabarista va creando el espacio, dibujando el aire, y, sobre todo, jugando y desafiando a la gravedad. Aproxima a adultos y niños a una atmósfera perfecta para compartir el juego...   En esta ocasión cazuelas y cazos de todas las formas y tamaños se...

Oyún

  • Lugar de celebración:- Explanada multiusos Madrid Río (Paseo de la Chopera 6 Madrid). Oyún. En Oyún (del turco juego) todo gira en torno a las ollas y otros elementos cotidianos y a medida que va construyendo un artefacto en equilibrio, el malabarista va creando el espacio, dibujando el aire, y, sobre todo, jugando y desafiando a la gravedad. Aproxima a adultos y niños a una atmósfera perfecta para compartir el juego...   En esta ocasión cazuelas y cazos de todas las formas y tamaños se...

Van Gogh, pintar desde el infierno

  • Un Van Gogh distinto visita estos días la Tate Modern de Londres. Viene del museo Pushkin de Moscú y parece traer consigo cierto aire de cartel soviético, de propaganda, casi de castigo y de frío; es diferente y lejano de los lienzos soleados, más icónicos de Van Gogh. No es un lirio, un jarrón lleno de girasoles o un trigal... Es su cuadro más trágico. Patio de cárcel, fue pintado en febrero de 1890 desde el sanatorio psiquiátrico de Saint-Rémy, donde apenas ya sin fuerza para salir a pintar al campo, reproducía con furia las estampas que su hermano Theo le mandaba. Este lienzo, basado en un grabado de Gustave Doré, es un grito extremo. Su terror a la locura y al encierro. Un grupo de 33 presos, con la cabeza gacha, arrastra los pies por un círculo de ejercicio opresivo y alienante, ante una pared sin final. La sensación de falta libertad es total.

    Autor Colaborador: Marina Valcárcel
    Licenciada en historia del Arte
     Marina

     

     

     

     Van gogh 

    Vincent Van Gogh, Autorretrato dedicado a Gaugin, (1888), Fogg Art Museum, Estados Unidos.

     

    Un Van Gogh distinto visita estos días la Tate Modern de Londres. Viene del museo Pushkin de Moscú y parece traer consigo cierto aire de cartel soviético, de propaganda, casi de castigo y de frío; es diferente y lejano de los lienzos soleados, más icónicos de Van Gogh. No es un lirio, un jarrón lleno de girasoles o un trigal... Es su cuadro más trágico. Patio de cárcel, fue pintado en febrero de 1890 desde el sanatorio psiquiátrico de Saint-Rémy, donde apenas ya sin fuerza para salir a pintar al campo, reproducía con furia las estampas que su hermano Theo le mandaba. Este lienzo, basado en un grabado de Gustave Doré, es un grito extremo. Su terror a la locura y al encierro. Un grupo de 33 presos, con la cabeza gacha, arrastra los pies por un círculo de ejercicio opresivo y alienante, ante una pared sin final. La sensación de falta libertad es total. Dos simbólicas mariposas se ocultan entre los ladrillos del patio de la cárcel. Sólo un pequeño rayo de luz se cuela desde algún cielo para iluminar el rostro de uno de los presos, el único que levanta la cabeza y nos mira. Hombre rubio, de piel blanca. Es Vincent Van Gogh. Cinco meses después de pintar este cuadro, el 27 de julio de 1890, saldría a los campos de trigo que rodeaban Auvers con un revólver y se dispararía una bala en el estómago.

     

    Van Gogh 1

    Vincent Van Gogh, Patio de cárcel, (1890), Museo Pushkin, Moscú.


    Meditación sobre la pintura

    Van Gogh murió a los 37 años. Otros visionarios que revolucionaron el arte de su época, murieron también jóvenes: Basquiat con 27 años, Egon Schiele 28, Modigliani 35, Rafael 36, Caravaggio 38...

    Sin embargo, y a diferencia de ellos, la biografía de Van Gogh (1853-1890) está marcada por algo insólito: el grueso de su obra se produjo en sus dos últimos años de vida. Algo más de 700 días para pintar 900 obras que hicieron saltar por los aires el techo de la pintura occidental. Dos años en los que pinta entrando y saliendo del manicomio, comiéndose los tubos de óleo del color por el que sentía fijación: amarillo de plomo. Exprimiendo los periodos de calma y de producción frenética, pintando a veces un cuadro por día, a veces dos, luchando contra la opacidad que le producía el bromuro de potasio inyectado en sus venas para prevenir sus convulsiones. Pintar para no enloquecer, pintar cada lirio o cada espiga hasta sentirla, pintar el sol y la luz de la noche, pintar para no morir, morir pintando.

    Además de sus cuadros, el holandés deja una obra capital: su correspondencia, que nos llega prácticamente intacta. Desde agosto de 1872 hasta su muerte, Van Gogh escribió más de 800 cartas de ellas, 668 están dirigidas a Theo, su hermano pequeño, su confidente, su cómplice, su doble. Todas empiezan por: “Querido Theo”. Vincent le escribe en neerlandés, inglés o francés.

    En esta primavera muchos caminos parecen confluir en Van Gogh: Tate Modern se estrena con su gran exposición Van Gogh in Britain, la primera dedicada al pintor desde 1947. El museo Van Gogh de Amsterdam nos regala una preciosa muestra en la que sus paisajes dialogan con los de David Hockney. En Barcelona hay colas para ver la exposición interactiva Meet Van Gogh. Además, aún en cartelera está la película que Julian Schnabel dedica al genio del pelo rojo.

     

    Van Gogh 2

    Vincent Van Gogh, Almendro en flor, (1890), Museo Van Gogh, Amsterdam, Países Bajos.


    Mucho antes de que Vincent cogiera un lápiz con la intención de aprender a ser pintor, ya miraba el mundo con los ojos de un artista. Desde niño practicaba la observación de la naturaleza durante sus largos paseos por el paisaje de Brabante: cogía los nidos de los pájaros o se quedaba perplejo ante las llanuras holandesas rotas sólo por la aguja de alguna iglesia o por la franja roja de la luz del atardecer.

    A través de su padre, un pastor calvinista de la localidad holandesa de Zundert, se contagió de un método de aprendizaje tradicional implantado entonces en el norte de Europa: todo aquello que observamos está lleno de significados metafóricos y simbólicos. Gran parte de esta enseñanza a los niños se hacía a través de estampas, con las que convivían en sus casas. En el estudio del padre de Vincent había colgados tres grabados que le marcaron desde pequeño: El retorno del hijo pródigo, La cosecha y un grabado de un niño en su cuna de Rembrandt; escenas sencillas que alumbraron desde el principio en Van Gogh la llama de un sentimiento religioso muy hondo.

    Búsqueda de salvación

    Bajo esos ojos azules, Vincent vivía enroscado en su mente. Mucho antes que el arte, en su vida apareció la necesidad de la búsqueda de la salvación. Pero también la lectura sin tregua: por encima de todo la Biblia, también Shakespeare, después de Dickens a Víctor Hugo, de Homero a Balzac... Desde los 16 hasta los 30 años trabajó, junto a su hermano Theo, como ayudante en la galería de arte Goupil y viajó por Holanda, Londres y París. En estas ciudades se sumergía en los museos descifrando a los pintores que más le impresionaban: Rubens, Frans Hals, Delacroix y siempre Rembrandt. En París descubrió a los impresionistas, las estampas japonesas, sus colores brillantes, falta de perspectiva y de sombras; conoció también la pincelada corta de los puntillistas. Y todo cuanto aprendió en los museos y en libros servía para expandir el tesoro del bagaje de sus imágenes y su memoria.

    A los 30 años y en menos de una década, este joven frágil y confundido decide aprender a pintar; asimiló toda la innovación contemporánea y emergió como el pionero de la pintura más moderna y expresiva. Y así, en febrero de 1888, Vincent llega a la estación de Arlés, donde su pintura adquirirá la madurez al tiempo que su vida comenzará a desintegrarse. Instalado en la Casa Amarilla y obsesionado por la llegada de Gaugin, remata, a un ritmo a veces de seis lienzos al día, sus cuadros míticos: la serie de Los girasoles, sus Botas, La silla, su Dormitorio... Pero también en ese mismo cuarto le encontrarán casi muerto. En Van Gogh Prometeo, Georges Bataille afirma que es precisamente, a partir de la noche de diciembre de 1888, cuando entrega en un burdel su oreja cortada a golpe de navaja: “Cuando su pintura se convierte en rayo, en explosión y llama; al tiempo que él se extinguía en un éxtasis frente a un haz de luz radiante, explotando, en llamas.”

     

    Van gogh3

    Vincent Van Gogh, Silla de Gaugin, (1888), Museo Van Gogh, Amsterdam, Países Bajos.

     

    Surge el tubo plegable

    En Provenza se mimetizaba con el paisaje: había bambú y juncos por todos lados, con ellos hacía plumas para dibujar... También pudo beneficiarse de los avances de la industria química, aparecieron nuevos colores, los pigmentos de alquitrán de hulla, el malva y el magenta de los tintes de anilina y los colores de laca sintética. Pero sobre todo, surgió el tubo plegable, que hizo posible pintar en el exterior.

    Cuando salía al campo con su caballete, torcía la cabeza como los girasoles buscando la luz del sol y los colores, sentía la naturaleza en su plenitud: la temperatura, los sonidos, el mistral, el olor... entonces entraba en un estado hipnótico. Las últimas nieves acaban de limpiar los frutales en los huertos. Había caminos y más caminos de árboles distintos, todo empezaba a brillar con una intensidad que Vincent transmitía en líneas cortas y taquigráficas. Fue entonces cuando dio con la motivación de su pintura: en la naturaleza encontró el poder de sugestión de los colores que utilizaba para emitir ideas poéticas, expresar sentimientos o estados de ánimo. Julian Schnabel, en su película, trata de meternos en la catarsis de Van Gogh a través de los recursos ópticos. Cuenta cómo un día, en una tienda de segunda mano, encontró unas gafas bifocales; al llevarlas puestas se dio cuenta de que su campo de visión se alteraba, se desenfocaba o ampliaba... creyó así saber transmitir en la pantalla su mirada en trance.

     

    Van Gogh4

    Vincent Van Gogh, Campo de trigo con cipreses, (1889), Metropolitan Museum, Nueva York, Estados Unidos.


    En el museo de Amsterdam, estos días, Hockney hablaba con devoción: “Creo que mi deuda con Van Gogh se hace aquí evidente. Para mí es un artista contemporáneo: sigue hablándome hoy, como Brueghel”. Van Gogh y Hockney: los separa un siglo de vida, pero sus paisajes expuestos cara a cara son como un choque de estrellas: “A pesar de que resulte obvio que ambos sentimos fascinación por la naturaleza, lo que más me vincula a Van Gogh no es su color, su pincelada o sus paisajes, sino la claridad de su espacio”. Insistiendo en el parecido de su pincelada, responde con una sonrisa: “Bueno, a veces robo cosas a Van Gogh. Los grandes artistas no toman prestado, roban”. Y añade serio: “En una fotografía la superficie es toda uniforme. Entre una foto tomada a un cuadro de Van Gogh y un lienzo real, la diferencia es la pincelada. No podemos mirar una foto mucho tiempo, no más de una fracción de segundo, porque no vemos al sujeto en capas. El retrato que me hizo Lucian Freud requirió 120 horas de posado y todo ese tiempo se ve en las capas del cuadro. Por eso tiene un interés infinitamente superior al de la foto”.

    La exposición de Londres, la de Amsterdam y también película de Schnabel confluyen milagrosamente en un mismo cuadro que estos días brilla en la muestra de la Tate. Es At Eternity’s Gate, el lienzo que da título a la película de Schnabel. Como Patio de cárcel, Van Gogh pintó este cuadro en Abril de 1890, en sus días de aislamiento en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, y esta vez está basado en un dibujo suyo del periodo holandés. Representa a un hombre sentado en una silla con la cabeza sepultada entre los brazos. Símbolo de la desesperación y más probablemente, de la angustia de Van Gogh. Dos semanas antes de empezar este lienzo, su médico, Théophile Peyron, escribía a Theo: “Suele sentarse con la cabeza entre las manos y cuando alguien se acerca para hablarle, parece como si le doliera profundamente.”

    Al mismo tiempo, At Eternity’s Gate supone un renacer en Hockney. En marzo de 2013, uno de sus asistentes, Dominique Elliot, se suicidó en casa de pintor cuando éste pintaba los paisajes de Yorkshire que hoy visitan Amsterdam. Durante varios meses Hockney fue incapaz de pintar. En julio del mismo año, Hockney mandó un dibujo a su amiga y comisaria Edith Devaney. Era un retrato de su amigo Jean-Pierre Goncalves de Lima, sentado en su estudio con la cabeza entre las manos. En el acto, Devaney señaló la similitud con el dibujo de Van Gogh. Hockney reconoció que éste no era sólo un retrato de su amigo, también era una suerte de autorretrato ante la tragedia. Después de aquel retrato llegaron muchos más; conformaron, en 2016, la exposición de la Royal Academy: 82 portraits and one still life. Van Gogh había tirado de la mano de Hockney para que volviera a pintar.

     

     Van Gogh 5 

    Vincent Van Gogh, At Eternity’s Gate, (1889), Kröller-Müller Museum, Otterlo, Países Bajos.


    Contemplador en silencio

    En 1890, durante su ingreso, a Van Gogh todo le afectaba aún más profundamente. Respiraba su respiración detrás de las rejas, sentía vibrar su espíritu detrás de la ventana y lo dejaba participar a través de su pincel de los cambios del paisaje, de la luz y de las estaciones. En el jardín tapiado del monasterio, se convirtió en un contemplador en silencio. Sentado bajo los árboles, capturaba todo lo que veía. Se tumbaba al lado de los lirios y los pintaba como si fuera uno de ellos, cara a cara. Cuando miramos hoy sus cuadros, casi podemos sentir el aire y el frescor de la sombra, el movimiento de la hierba y las lavandas. Vincent escribió entonces que se encontraba en su paraíso.

     

     Van Gogh 6 

    Vincent Van Gogh, Lirios, (1889), J.Paul Getty Museum, California, Estados Unidos.


    Sin embargo, al final de su vida, la lucha dentro de su cabeza entre arte y locura se volvió heroica. La repetición de las crisis era aterradora. En los momentos de calma, pintaba furiosamente como tratando de matar al siguiente ataque que, inevitablemente, llegaría al día siguiente. Pintar para Van Gogh, en esta época, era su destrucción y al mismo tiempo su salvación, porque era precisamente entre los espasmos cuando veía con más intensidad, con más lucidez, cuando sus facultades pictóricas parecían estar bajo un control absoluto. Son obras salvajes, pintadas ante el abismo. Entonces repetía cipreses enroscados como columnas salomónicas, trigales con caminos sin final, noches estrelladas como por chirriantes lámparas de gas, nubes encadenadas en movimiento como si fueran las velas de un barco movidas por el viento.

     

     Van Gogh 7 

    Vincent Van Gogh, Noche estrellada, (1889), MoMA, Nueva York, Estados Unidos.


    En mayo de 1890, Theo sabía que su hermano atravesaba por un momento terrible. Presentía que estaba a punto de producir un milagro: convertir su trastorno mental en una revolución. Theo temía que toda la intensidad que Van Gogh llevaba dentro explotara definitivamente en su cabeza. Y encontró un sitio para que la explosión fuera controlada: el pueblo de Auvers-sur-Oise, a 20 kilómetros al norte de París. Allí, acompañado por el doctor Gachet, Van Gogh encontró la fuerza para soltar su última furia creadora. En los 70 días que duró la etapa de Auvers, pintó 90 cuadros. Muchos de ellos son sus obras más excepcionales, casi siempre paisajes solitarios, estremecedores y absolutamente novedosos. Su último cuadro, Tres raíces, hoy en la exposición de Amsterdam, es un manifiesto a la abstracción.

     

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    Vincent Van Gogh, Tres raíces, (1890), Museo Van Gogh, Amsterdam, Países Bajos.


    En una de las últimas cartas a Theo, Vincent se quejaba de que a falta de tener hijos, sus pinturas eran su legado. Pero Van Gogh sí tuvo un descendiente: el expresionismo. Y con él a muchos herederos: Kokoschka, De Kooning, Jackson Pollock...
    En pocos meses, Theo, agotado y enfermo, perdió la razón y también murió. En 1914 se trasladó su cuerpo al cementerio de Auvers, donde descansa en una lápida gemela, al lado de Vincent. Desde allí los dos hermanos observan el triunfo del pintor: “Las flores mueren, las mías resistirán.”

     

    Van Gogh and Britain

    Tate Modern Millbank London SW1P 4RG

    Comisaria: Carol Jacobi

    Hasta el 11 de agosto 2019

     

    Hockney - Van Gogh: The Joy of Nature

    Museo Van Gogh Museumplein 6 1071 DJ Amsterdam

    Comisario: Edwin Becker

    Hasta el 26 mayo de 2019

     

     

    - Van Gogh, pintar desde el infierno -                        - Alejandra de Argos -

13.04.2019 - Siroco Lounge

  • Los Niños Terribles

Discurrir por el barrio de San Isidro

  • 30 plazas para público mayores de 12 años 10 plazas para niños y niñas con edades entre 7 y 11 años El punto de partida de cada paseo se indicará en el correo de confirmación. Discurrir por el barrio de San Isidro se propone como un paseo que se desdobla en cuatro recorridos articulados a través de diferentes "hallazgos" del barrio: el arenero de San Isidro, el murmuro del río Manzanares, arroyos desaparecidos, la flora y la fauna silvestre, el parque sonoro donde podemos escuchar las voces...

Boquerones y chanquetes en la 1 de Moyano

  • Boquerones y chanquetes es un taller gratuito para niñas y niños de cualquier edad, donde aprenden a hacer sus propios fanzines de relato y cómics narrando sus propias historias. Esta actividad se plantea con el objetivo de fomentar su creatividad y que desarrollen sus capacidades narrativas y de interacción entre las imágenes y las palabras. Inventa, pinta, colorea y recorta tu propio cuento con Julia Happymiaow y Ana Pez   Todos los sábados de abril, mayo y junio en horario de 11.30 h a...

Mujeres con libros (I): significados en los retratos femeninos del renacimiento

  • Mujeres con libros (I): significados en los retratos femeninos del renacimiento. Conferencia por Inés Alberdi Las imágenes de mujeres leyendo, o teniendo un libro entre sus manos, son muy frecuentes en los retratos de mujeres desde el Renacimiento. El libro adquiere, en sus manos, una carga simbólica de conocimiento y distinción debido a que los libros estuvieron históricamente restringidos o prohibidos para las mujeres. A través de los libros se...

Mujeres en el Arte

  • Mujeres en el Arte. La profesora Laura Urbina, hará un recorrido por diferentes personajes femeninos que aparecen en la obra pictórica y escultórica del Museo del Prado y poniendo de manifiesto que nuestra idea actual de mujer es el resultado de un proceso de construcción cultural.. Sala infantil. Entrada libre hasta completar aforo.. Laura Urbina

16.03.2019 - Siroco Lounge

  • Los Niños Terribles

Entrevista a Edmund de Waal

  • Elena Foster trae a la galería Ivorypress Breath, una exposición del artista británico Edmund de Waal (1964) que se despliega a modo de tríptico iluminando escultura, libro de artista y sala de lectura. Papel y porcelana de oriente laten al unísono con el genio de Zurbarán, de Lorca y también de Paul Celan. Edmund de Waal es ceramista y escritor. Si con su libro La liebre con ojos de ámbar (Acantilado, 2010) éxito internacional de ventas, nos habla de la memoria a través de un viaje por la historia de sus antepasados, los Ephrussis: familia de banqueros judíos, amantes del arte e intelectuales, en El oro blanco (Seix Barral, 2015) la búsqueda de la porcelana, el poder y el peligro de lo blanco, unirán literatura y tacto en la historia de una obsesión.

     Autor: Elena Cué

     

      IVORYPRESS RETRATOS EDMUND DE WAAL 20 FEBRERO 2019 G1A6769 

    Edmund de Waal. Copyright © Pablo Gómez-Ogando. Cortesía Ivorypress

     

    Elena Foster trae a la galería Ivorypress Breath, una exposición del artista británico Edmund de Waal (1964) que se despliega a modo de tríptico iluminando escultura, libro de artista y sala de lectura. Papel y porcelana de oriente laten al unísono con el genio de Zurbarán, de Lorca y también de Paul Celan. Edmund de Waal es ceramista y escritor. Si con su libro La liebre con ojos de ámbar (Acantilado, 2010) éxito internacional de ventas, nos habla de la memoria a través de un viaje por la historia de sus antepasados, los Ephrussis: familia de banqueros judíos, amantes del arte e intelectuales, en El oro blanco (Seix Barral, 2015) la búsqueda de la porcelana, el poder y el peligro de lo blanco, unirán literatura y tacto en la historia de una obsesión. 

    Ya en la galería de Madrid, pasamos las páginas de su libro de artista. Se respira la poesía de Paul Celan fragmentada hasta el blanco. Teselas de porcelana traslúcida, manuscritos medievales, pinceladas de caolín y escritura de Waal componen los folios atlánticos de este libro de autor que trata sobre el blanco, la quietud, el silencio: Celan y la vida en porcelana del autor.  

    La poesía de Paul Celan es una constante para usted desde hace más de treinta años, ¿En qué sentido se identifica con el poeta?

    Hay dos cosas: una es que desmenuza el lenguaje. Para él, las palabras son objetos muy poderosos; casi tienen un sentimiento físico. A menudo, en su poesía, combina palabras de forma innovadora, crea palabras nuevas. La idea de la fisicalidad del lenguaje, que es un poder corporal, es realmente importante para mí porque así es como construyo el mundo. A la vez de unir cosas, las separo. Celan fragmenta las palabras. Sus poemas están desmenuzados, son palabras dispersas. Y todas las cosas que yo creo las vuelvo a romper: trozos de porcelana y mármol, trozos de papel y fragmentos rasgados... Lo segundo que me influyó de Celan es su amor por el blanco. El blanco es el hilo conductor de toda su poesía. No solo la página en blanco, sino que el color en sí tiene un pálpito en toda su poesía. 

    En su juventud escribió poemas, ¿continua haciendolo?

    Considero que lo que hago es una especie de poesía. Creo que he encontrado mi propio estilo poético; una combinación de escultura y texto. No es convencional pero en realidad es poesía. 

    Su libro de artista, Breath, es un libro artesanal donde explora la idea de que los libros son palimpsestos; cubre lo escrito con caolín, el material de la porcelana para volver a escribir a mano. ¿Podría por favor contarnos más sobre esta idea?

    La idea de un palimpsesto es maravillosa. Es la representación de tener un texto, borrarlo y volver a escribir en él nuevamente, por lo que tienes un texto sobre otro. Lo que significa que nunca puedes borrar un texto. Esa experiencia de hecho es, lo que significa leer. Cuando leemos, siempre releemos e interpretamos cosas diferentes con cada nueva lectura.

    Nuevos sentidos...

    En nuestros corazones entendemos exactamente el significado de un palimpsesto; es un algo emocional. Hacer un palimpsesto para Celan era releer, rehacer, borrar y escribir encima. Solo soy yo mismo rehaciendo a Celan. Es una idea muy simple; y sabía que necesitaba hacer un libro para Paul Celan.

    ¿Qué tipo de necesidad se convirtió en la fuerza impulsora?

    Creo que de alguna manera los viajes que haces no son necesariamente elegidos por uno mismo, por muy extraño que esto pueda parecer. Por ejemplo, el viaje durante siete años tratando de recuperar la memoria de mi familia fue, en cierto modo, un viaje recesivo, yo lo sentí como una obligación, una necesidad. De la misma manera que traté de entender por qué lo blanco me importaba tanto. Y fue un honor descubrir quién me había precedido en esa búsqueda para poder ser capaz de hacerlos más presentes, más vivos y conectados a mí. De ese modo, lo que he hecho con Celan es una manera de traerle de vuelta a mí y de hacerle llegar también a otras personas. Creo que esto es algo que hace el arte, reconecta poderosamente.

     

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    Edmund de Waal. © Pablo Gómez-Ogando. Cortesía Ivorypress 

     

    En esta obsesión por el blanco, las composiciones que crea con formas simples y blancas en porcelana, mármol o alabastro hacen difícil no retrotraerse al Blanco sobre Blanco de Malevich y el sentido de espacio infinito y libertad espiritual. ¿Qué sentido le da a la pureza del blanco?

    El blanco es realmente difícil. Para Malevich, el blanco es el cero, el perfecto color revolucionario y espiritual. El blanco es un comienzo. Un intento de re-imaginar un comienzo. Para un escritor esto podría ser una página en blanco. Para mí, puede ser una página o una porcelana blanca. Puede ser destrucción, una forma más limpia, una forma de olvidar las cosas. También puede significar pureza, que es un concepto muy peligroso. Mi libro sobre lo blanco es una historia de la destrucción del blanco que causa la pureza. El blanco es belleza pero también peligro. Es muchas cosas pero nunca es aburrido. Cuando doy conferencias, siempre me preguntan por qué no uso el color.

    ¿Se siente artista o artesano?

    No podría considerar esto una pregunta. Honro y respeto el trabajo, ya sea imprimir un libro, encuadernarlo en velum, hacer un recipiente o crear poesía. En todas estas formas de arte, está el trabajo de un artesano. Tienes que entender, tienes que echarle horas para hacer posible la creación. Así que, por supuesto, soy un artista y en mi forma artística utilizo porcelana y palabras.

    Repite piezas de porcelana una detrás de la otra, ¿en qué piensa mientras da forma a la porcelana?

    Una de las cosas maravillosas que hace la creación es que te libera a un estado diferente. Cuando me siento con mi barro y mi rueda, todos los itinerarios, preguntas, proyectos y programaciones, se quedan en otra parte. Se trata de volver a la respiración. La práctica de estar vivo para que algo suceda. Cuando estoy creando, no estoy pensando en Celan, ni en Zurbaran, ni en Malevich ni tampoco en mi vuelo a los Estados Unidos; Estoy presente en esa experiencia. 

    Parece como un estado meditativo.

    En el proceso de repetición, aunque estés presente en lo que estás haciendo, estás en otra parte.

     

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    Edmund de Waal. Photo: Mike Bruce. Gagosian Gallery

     

    Ha descrito el hecho de encontrarse delante de un trozo de barro sin forma como el principio de todo. Dar vida a un trozo de barro suena bíblico. ¿Cómo siente la creación? 

    Me siento muy relajado. La imagen puede ser bíblica, pero se trata de volver a algo. Si regresas a algo lo suficiente, te da la libertad de comenzar de nuevo. Cuando creas no te estás juzgando a ti mismo. Por eso es tan importante y poderoso para los niños. Si puedes hacer que la creación sea como jugar con arcilla, palabras o música, puedes aprender a comenzar sin juzgar; sin sentir que es bíblico. Tienes que permitir que la gente comience con un espíritu de apertura. Es por eso que hago mucha educación artística. Mi comienzo cuando tenía cinco años fue solo por placer. Intento y dejo que vuelva cada vez que comienzo.

    ¿Existe diferencia entre el proceso intelectual de la escritura y el de moldear?

    Es realmente difícil separar esas dos cosas. Por ejemplo, en esta exposición he escrito un breve texto, he hecho toda la investigación y lo he pensado todo. Realmente es una práctica. Hoy en día, hay numerosos artistas contemporáneos que hacen escultura, cine y performance. Y está completamente aceptado que si eres un artista visual contemporáneo, haces muchas cosas simultáneamente. Curiosamente, la idea de ser un artista y un escritor es mucho más problemática para las personas. No pueden entender el hecho de que para el artista todo sea una misma cosa.

    Con gran éxito en ámbas disciplinas...

    Es la primera vez que creo un libro escrito a mano. Para mí, ha sido una experiencia increíble la que he tenido en Madrid. Después de la crítica literaria y artística que he recibido a lo largo de estos años, decidí desarrollar este nuevo proyecto. Ya no está en mis manos, ahora depende de la gente juzgarlo.

    ¿Coincide con las palabras de uno de sus referentes, el poeta y crítico de arte Herbert Read, de que la cerámica es al mismo tiempo, una de las artes más simples pero también una de las más difíciles?

    Es una preciosa cita de Herbert Reed y me encanta. Tiene toda la razón. Lo maravilloso es que todos saben lo que es una vasija. Te da una comprensión y un acceso inmediato a ella. Todos se sienten como en casa. Al mismo tiempo, una vasija es lo más abstracto que existe. Tiene dentro y fuera, algo escondido, algo revelado, un contenedor de significado. Si bien tienes un acceso físico y semántico inmediato a ello, también es un concepto.

     

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    Edmund de Waal. © Pablo Gómez-Ogando. Cortesía Ivorypress  

     

    Es conocido por sus instalaciones de porcelanas meticulosamente colocadas en estanterías. Pueden evocar partituras musicales. ¿Tiene la música, el ritmo significado en su obra? 

    Escucho mucha música. La música da una estructura, lo que me ayuda enormemente, ya que me da pulso y ritmo. La música, como la poesía, te permite acercarte al mundo de una manera totalmente diferente. Te permite navegar por el mundo a través de la música. Cuando trabajo en mis enormes instalaciones, son como piezas de música recordada, que me devuelven el ritmo. El ejemplo más complicado de eso es cuando hice mi primer diseño para la Royal Opera House en Covent Garden. Diseñé un nuevo ballet para Wayne McGregor. Usé un escenario enorme y diseñé toda la producción para que tuviéramos personas en lugar de vasijas. El concepto de cuerpos que se mueven con la música es muy similar al que hago con mi cerámica.

    En su libro La liebre con ojos de ámbar relata como para usted el coleccionismo está relacionado con la memoria, la familia, la historia y la supervivencia de los objetos...  ¿Es usted coleccionista?

    Sí, colecciono libros. De hecho, este verano estoy haciendo una nueva biblioteca en Venecia, Italia. 

    ¿Se refiere a la exposición en el Ateneo Veneto, en el gueto judío, que coincide con la Bienal de Venecia? 

    Sí. Esta exposición contará con 2000 libros escritos en el exilio. De Ovidio a José Brodsky, de cualquier autor que haya sido obligado a abandonar su país. Así que sí, colecciono. No arte u objetos, pero sí colecciono libros.

    Dijo: “Estoy al margen de todo. Soy Cuáquero no practicante, Anglicano no practicante, nuevo judío, y aspirante a Budista.”

    Había olvidado que lo había dicho. Es realmente divertido. La volveré a usar

    ¿Se está continuamente recreando?

    ¿No es así como vivimos? Al igual que el concepto de Marie Kondo (programa de Netflix: "A ordenar con Marie Kondo") de ordenar toda tu vida. Todos la quieren en América. Ella dice que para simplificar tu vida tienes que tirar libros, ordenar tus cajones, deshacerte de la mitad de tu ropa y que esto te dará libertad. Desechar cosas no es realmente una forma humana de vivir. Tienes que perdonarte un poco más. Siempre puedes reescribir una mejor imagen tuya en la parte superior.

      

     

    Edmund de Waal. Foto Elena Cué

    Edmund de Waal durante la entrevista. Foto: Elrena Cué

     

    - Entrevista a Edmund de Waal -                                    - Alejandra de Argos -

Inteligencia emocional para niñas y niños

  • El Centro de Apoyo a las Familias (CAF 1), de la calle Hermanos Álvarez Quintero, 7, nos trae a la Biblioteca el Taller "Inteligencia emocional para niñas y niños" con el que se acerca a las familias con hijos/as de 0 a 3 años.. Inteligencia emocional para niñas y niños. Bebeteca.. Centro de Apoyo a las Familias. Niñas y niños de 0 a 3 años. Número máximo de participantes: 12 personas.