Juerga de mamis

  • Juerga de mamis

    Año: 2017

    Pais: EE.UU.

    Edad: Mayores de 7 años

    Cuatro madres, que lo único que tienen en común es que sus niños van a la misma clase, deciden un día salir de fiesta. La noche empieza de forma desastrosa, pero la combinación de alcohol, karaoke y un camarero buenorro les conduce a una noche inolvidable en la que se dan cuenta de que tienen mucho más en común de lo que pensaban.

A War (Una guerra)

  • A War (Una guerra)

    Año: 2015

    Pais: Dinamarca

    Edad: Mayores de 12 años

    El comandante de la compañía Claus M. Pedersen y sus hombres están estacionados en una provincia afgana. Mientras tanto, en Dinamarca, la esposa de Claus, Maria, trata de mantener su vida cotidiana con un marido en guerra y tres niños alejados de su padre. Durante una misión de rutina, los soldados se ven atrapados en un fuego cruzado y, con el fin de salvar a sus hombres, Claus toma una decisión que tendrá graves consecuencias para él y su familia de vuelta a casa.

It

  • It

    Año: 2017

    Pais: EE.UU.

    Edad: Mayores de 16 años

    En el pueblo de Derry, en el estado de Maine, empiezan a desaparecer niños misteriosamente. Un grupo de ellos decide lidiar con sus miedos para enfrentarse a un malvado payaso llamado Pennywise, cuya historia de asesinatos y violencia se remonta varios siglos atrás.

El sótano encantado

  • Rosaura lee muchos libros fantásticos y de misterio. Cree que existen fantasmas y espíritus, cree en la magia y los encantamientos. Pero su amigo Leo tiene los pies en la tierra. Para él todas esas cosas son cuentos para niños. Cuando el padre de Rosaura está a punto de morir dice a su hija que el sótano de su casa fue la mazmorra de un antiguo castillo y quizá guarde un fabuloso tesoro. Rosaura decide buscarlo y pide ayuda a su amigo Leo. Juntos vivirán increíbles aventuras en el sótano...

Musicosophia: taller de música clásica para niños

  • Taller musical en el que los niños, con juegos musicales, cantando y siguiendo el flujo musical con las manos experimentan una relación muy viva con la música. Dirigido a niños entre 6 y 10 años. Es necesaria la inscripción previa en el mostrador de la biblioteca y tienen que estar acompañados por un adulto.  . Musicosophia: taller de música clásica para niños . Sala polivalente. De 10:30 h a 13:30 h.  . Musicosophia.. Número...
  • Taller musical en el que los niños, con juegos musicales, cantando y siguiendo el flujo musical con las manos experimentan una relación muy viva con la música. Dirigido a niños entre 6 y 10 años. Es necesaria la inscripción previa en el mostrador de la biblioteca y tienen que estar acompañados por un adulto.  . Musicosophia: taller de música clásica para niños . Sala polivalente. De 10:30 h a 13:30 h.  . Musicosophia.. Número...

La fantástica banda

  • En La fantástica banda plays The beatles damos un paseo personal por el repertorio de los Beatles con la intención de acercar su música a los niños sin olvidar a los mayores, y acompañados por imágenes que añaden color y fantasía a las canciones. A La fantástica banda le apasionan los Beatles, y por eso ha montado el concierto La fantástica banda plays The beatles con versiones personales de las canciones del cuarteto de Liverpool. Se trata además de un concierto didáctico cuyo objetivo es...

Entrevista a Anselm Kiefer

  •  Autor: Elena Cué

     

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    Fotografia: Waltraud Forelli

     

    Con la claridad previa al anochecer empieza mi recorrido por La Ribotte, casi 40 hectareas construidas en la población francesa de Barjac por el artista alemán Anselm Kiefer (1945), que concluirá al atardecer del día siguiente sin haber logrado visitar todos los estudios, torres, túneles por aire y tierra, criptas en continua transformación, un anfiteatro y caminos sembrados de esculturas que conforman este imponente lugar. Un espacio que conmueve por su grandeza, por lo ilimitado del espacio, por su misterio estremecedor. 

    Anselm Kiefer es uno de los artistas más relevantes de nuestro tiempo.

    Vengo muy impresionada del Anfiteatro. De hecho, estoy muy sobrecogida con todo. Necesitaré mucho tiempo para asimilarlo.

    El anfiteatro se desarrolló de la misma manera que una pintura. Tenía una inmensa pared donde están todas las pinturas grandes, y pensé, ¿por qué no tener una pequeña gruta dentro? Entonces, hicimos algunos contenedores, los pusimos juntos para tener un nicho, continuamos piso por piso, y funcionó como un dibujo sin que supiéramos a dónde llegaría.

     

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    Anfiteatro. Foto: Elena Cué

     

    Nació en 1945, en el ocaso de la Segunda Guerra Mundial.

    Nací en el sótano de un hospital. Ahí es donde mi madre me dio a luz y esa misma noche nuestra casa fue bombardeada.

    Sus juguetes fueron ruinas y ladrillos que luego ha utilizado en sus obras, tanto material como conceptualmente. ¿Continúa jugando con esas ruinas?

    Las ruinas son lo más hermoso, y como los niños no juzgan, las toman simplemente y juegan con ellas. Para mí no son un final sino un comienzo. Es hermoso ver una torre, de la cual se ha eliminado la piedra angular, que refleja si quiere caer cómo vacila; entonces todo va muy rápido y con gran estruendo hasta el suelo. La sensación es comparable al despegar de un avión. El acelerador a fondo está activado. El avión tiembla con la potencia que quiere llevarlo hacia adelante mientras los frenos aún lo mantienen en su lugar, la máquina, cada vez más y más rápido, finalmente se eleva hacia el cielo.

    ¿En qué valores creció habiendo nacido en una Alemania devastada material y espiritualmente?

    Tuve una educación muy autoritaria porque mi padre era un oficial. Entonces, por un lado, tenía el autoritarismo de la iglesia católica y, por el otro, el de mi padre, que era también mi maestro. Fue demasiado. Pero mi padre también me mostró a los pintores que fueron marginados durante el Tercer Reich y, en los primeros años de mi infancia, él me orientó hacia la pintura y el dibujo.

    En Barjac y en el resto de su trabajo, ¿qué surge primero: la experiencia o el concepto?

    Si quieres decir si mi trabajo sigue un concepto pensado, entonces la respuesta es: por supuesto. Siempre tengo un concepto, de lo contrario no podría comenzar. Sin embargo, durante el trabajo y en el transcurso de días, semanas o años, el concepto cambia. El concepto es necesario pero no importante.

    ¿Qué siente cuando mira la monumentalidad y la complejidad de La Ribotte?

    Siento que está inacabada. 

     

     Anselm Kiefer Elena Cue La Ribotte 

    La Ribotte. Barjac. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    ¿Qué tipo de necesidad le ha llevado a construir algo tan único en Barjac? 

    Cuando me mudé a Francia, mi idea era no tener más ayuda de nadie. No quería una oficina, quería simplificar mi práctica y hacer todo por mi cuenta. Quería hacer pinturas muy ligeras que se pudieran enrollar y llevar a cualquier parte. Yo quería trabajar solo, sin ninguna ayuda. Fue como una revolución cultural. ¡Deja todo atrás, deja de pintar y comienza de nuevo!

    Aquí confluye la arquitectura, la pintura, la escultura, hasta conciertos de música... ¿Está tratando de reproducir el concepto wagneriano de Obra de Arte Total?

    No uso la palabra "Gesamtkunstwerk" ("Obra de Arte Total"). Tiene una connotación incómoda. Prefiero hablar de un trabajo en progreso. Lo más importante no es el resultado sino lo efímero, lo que fluye siempre, lo que no llega a su fin.

    En 2011 participó en la escenografía de la ópera Elektra en el Teatro Real de Madrid, ¿tiene intención de participar en otra ópera?

    Sí, cuando la pieza es correcta y el director con el que comparto una estética se unen. Klaus Michael Grüber, con quien colaboré en Edipo en Colono en Burgtheater en Viena y Elektra en Nápoles, fue para mí una gran combinación. Él, desafortunadamente, falleció durante la preproducción.

    Ha comentado que el aburrimiento en su infancia le hizo filósofo.  ¿Cree que un estado de aburrimiento es realmente creativo? 

    El aburrimiento es el comienzo de la filosofía. Si estás activo, no reflexionas. Heidegger tiene una serie de conferencias sobre el aburrimiento. Y dice que cuando te invitan a un evento y es un poco aburrido, tomas consciencia de lo que tu eres. Se te revela lo que es el ser.

    ¿Con el pensamiento de qué filósofo se identifica más?

    Roland Barthes, pero también con Johann Gottlieb Fichte, Martin Heidegger, Leibniz, Carl Schmitt, Gustav Radbruch, Feuerbach...

    ¿Qué es lo que normalmente violenta su pensamiento para pensar y crear?

    No pinto porque el lienzo esté vacío o porque no tenga nada que hacer. Comienzo a pintar porque he tenido una experiencia muy fuerte. Cuando estoy abrumado por algo que me mueve, algo que es más grande que yo. Puede ser una experiencia real con una persona, un paisaje, una pieza musical o un poema. Si realmente estoy sorprendido por algo tengo que actuar en consecuencia porque me sobrepasa. Eso es lo que sucede cuando comienzo a trabajar. Los críticos siempre dicen que mi objetivo es abrumar, pero en realidad, yo soy el que está abrumado. Eso es lo que sucede cuando creo. Si no te sientes abrumado, ¿por qué estás vivo? De lo contrario no hay ninguna razón para estar aquí.

    ¿De dónde procede su inspiración? 

    Si le preguntas a los escritores, te dirán que todo el material que tienen proviene de su infancia. Lo mismo sirve para mi.

    Ha comentado que siempre se he sentido atraído por lo imposible. ¿Cuántas veces ha tratado de lograr lo imposible?

    No puedes lograr lo imposible. Solo puedes soñar con ello e intentarlo. El verbo lograr es difícil porque siempre es un proceso. Nunca podría decir que algo es un logro, solo está en nuestra cabeza.

    Su obra esta cargada de referencias mitológicas germanas, griegas y egipcias, del Antiguo Testamento o de la Kábbalah entre otras, ¿ha encontrado elementos de conexión?

    Sí, toda la mitología está conectada. Por ejemplo, la leyenda nórdica de Wayland el Smith, que fue capturado por el rey y no consiguió escapar. Esa misma leyenda existe en Egipto y en  el norte de Alemania. Se pueden encontrar conexiones en toda la mitología

    Le han calificado como uno de los grandes representantes del Neo-expresionismo, ¿qué le proporciona esta forma de expresión artística a diferencia de otras?

    Estoy fundamentalmente en contra del estilo.

     

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    La Ribotte. Barjac. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    ¿Qué le motivó a incluir objetos figurativos como submarinos, girasoles, tulipanes, etc, en sus pinturas? ¿Por qué empezó a fusionar pintura y escultura?

    Es una cuestión de realidad. Cuando presento un objeto, no creo ilusión adicional. Lo que hago es lo que es. A veces quiero ser directo. Los objetos tienen su propia espiritualidad.

    Usted escribe mucho. ¿Por qué elegió pintar en lugar de escribir?

    No puedo decir que fue una decisión consciente. Vino a mí de esta manera. A lo largo de mi carrera siempre tuve momentos en los que pensé en escribir un libro. Tengo muchas ideas de posibles libros en mi diario, pero no puedo decir que me haya decidido por ninguno. 

    ¿Entonces es un equilibrio entre escribir y pintar?

    Sí, pero no es escribir, es más bien experimentar con uno mismo. No escribo ficción o poesía. La poesía es algo diferente; Pones las palabras en una combinación determinada que nunca se ha visto antes. 

    ¿Y la pintura?

    Es recreación también.

    ¿Se ve más reflejado en la pintura que en la escritura?

    La escritura ayuda a analizar lo que hemos hecho. Además, es una forma de autoevaluación.

    ¿Se pregunta si está satisfecho? 

    Todo el tiempo

    ¿Cómo se siente cuando lee sus escritos?

    Mis escritos son para mí una forma de recordar. Lo nuevo surge de la memoria.

    ¿Y cuando mira sus cuadros en retrospectiva? 

    Exactamente como Paul Valéry, a veces pienso que son maravillosos, otras veces me hacen sentir desesperado. 

     

     La Ribotte. Barjac Anselm Kiefer Foto Elena Cue 

    La Ribotte. Barjac. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    Ha comentado que para usted el arte es lo que más se acerca a la verdad.

    El arte está aún más cerca de la verdad. Es la verdad.

    ¿Cree que a través del arte se puede expresar mejor lo que realmente somos?

    No soy importante. A veces soy yo y otras veces soy muchos otros.

    El Holocausto es muy significativo en su trabajo. Se representa a través de una amplia gama de simbolismos. ¿Cuál es su objetivo al representar el periodo histórico más negro de la historia de su país?

    Cuando era pequeño, el Holocausto no existía. Nadie habló de eso en los años 60. Sentí que había algo escondido. Por accidente, obtuve un disco con las voces de Hitler, Goebbels y Goering. Fue hecho por estadounidenses para educar a los alemanes. Estaba tan impresionado por Hitler que empecé a estudiar el Holocausto. Yo quería saber de qué se trataba. 

    ¿Fue la necesidad o la curiosidad lo que le impulsó a investigarlo más? 

    
Fue curiosidad. Cuando comienzas a estudiar lo que sucedió en esos momentos es tan horrible que es difícil de imaginar. Solo en 1975 en Alemania finalmente comenzaron a mostrar exactamente lo que sucedió durante el Holocausto. Desde entonces, los alemanes han sido muy buenos en revelarlo. Los franceses todavía están escondiendo mucho de eso. En ese momento, los austriacos no querían tener relación con nada alemán. Un periodista austriaco se quejó de que puse austriacos y alemanes en la misma categoría. En aquel entonces, Hitler se sorprendió al pensar que tendría que luchar contra Austria para lograr la unificación. Resultó que todos lo querían ya. Eran aún más eficientes y precisos con sus listas judías que los alemanes. Las fuerzas francesas enviaron cerca de 100.000 personas para trabajar en la industria armamentistica de Alemania. Nunca creí que hubiera un punto cero. La democracia fue traída por primera vez por los estadounidenses.   

    En la lección inaugural de las conferencias magistrales que impartió en el Collège de France relataba que donde había aprendido más sobre arte había sido leyendo Diario de un ladrón, de Jean Genet. ¿Podría explicar por qué?

    Estaba muy abrumado por su escritura. Él literalmente puso todo patas arriba. Tomaría lo más honorable que pudieras imaginar y lo arrojaría al fango, mientras que lo más horrible, por ejemplo matar a alguien, lo consideraría una obra de arte. Él puso todo patas arriba y eso fue fantástico para mí.

    Aquí se cumpliría su pensamiento de que la alquimia transforma lo abyecto en arte, la verdadera magia. ¿Qué le atrae tanto de la alquimia? 

    Alquimia es el primer paso hacia la ciencia, la química y la física. Es la enseñanza de la transmutación. También es un movimiento espiritual. La gente siempre dice que los alquimistas tratan de convertir el plomo en oro, pero los verdaderos alquimistas no quieren hacerlo. Es una imagen para transformarte en otro nivel. Los alquimistas son los primeros científicos naturalistas.

     

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    La Ribotte. Barjac. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    Se ha fotografiado vestido de mujer para Für Jean Genet, ha representado a las mujeres  en Les Femmes de la Révolution, Les Reines de France, Les Femmes de L'Antiquitié, en Margarethe y Shulamith,  ¿Qué representa la mujer en su obra?

    Siempre me siento abrumado por las mujeres y pienso que están más conectadas con las raíces de la tierra. Ellas son más poderosas que los hombres.  

    Usted dice que el arte debe ser subversivo e inquietante. ¿Qué piensa sobre la relación entre el arte y la sociedad?

    Voy a referirme a Jean Genet nuevamente. El es subversivo porque predica que el robo y el asesinato son las mejores cosas; que tienes que convertirte en un traidor. El arte nunca puede ser moralista. El arte no puede ser un juicio de la sociedad, porque la moral está conectada a los tiempos. Nos retrotrae a la democracia griega. En esa época se podía tener esclavos. Incluso Aristóteles dijo que para ser un buen filósofo debes ser rico y tener esclavos. Eso está todo conectado con ciertos momentos. Entonces, los artistas no deberían estar conectados con un comportamiento moral específico.

    Ha abordado ampliamente el tema del artista como destructor y creador, clave en su obra. ¿Podría profundizar en este concepto?

    El artista es un iconoclasta, él destruye todo el tiempo. Hay arte y antiarte. Si el artista no es un iconoclasta, entonces no es realmente un artista. Puedes verlo a través de la historia del arte. Destruyo lo que hago todo el tiempo. Luego pongo las partes destruidas en contenedores y espero la resurrección. 

    La idea de ilimitado está implícita en su trabajo provocando un sentido de lo sublime. ¿Busca este sentimiento?

    Eichendorff, en su poema, envía a su alma interior al mundo y luego vuelve a él. Es un círculo interminable. Sigo el sistema filosófico que incluye emoción, voluntad y reflexión. Eichendorff describe un globo terráqueo como una esfera; una especie de esfera que otorga inmunidad. Antes de nacer, compartes una esfera con tu madre, estás conectado en el útero. Esta es la primera esfera. Entonces la esfera se hace más amplia a medida que te encuentras con más y más personas. La esfera romántica es interminable. Va al infinito y regresa.

     

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    Las mujeres de la Revolución. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    El paisaje con su figura en el medio de la sala Las mujeres de la Revolución  recuerda al paisaje de Friedrich y el concepto de lo sublime.

    No es realmente mi mundo. ¿Quién inventó la palabra sublime?

    El primero en usar ese término fue un griego de la época helenistica, pero se popularizó al comienzo de nuestra época, y entre otros Kant que escribió un libro sobre lo bello y lo sublime.

    Hay una cita maravillosa de Kant: «Dos cosas llenan mi ánimo de creciente admiración y respeto, a medida que pienso y profundizo en ellas: el cielo estrellado sobre mí y la ley moral dentro de mí». 

    ¿Hay cosas que han subido a la superficie a través de su trabajo que preferiría que hubiesen quedado ocultas? 

    No. Hay tanto que está oculto. Puedes revelar tanto como desees y aún así nunca llegarás al centro.

    ¿Cuál es su opinión sobre la primera Documenta y el arte Degenerado Nazi?

    Miré a través de todas las pinturas y arquitectura nazi y no encontré una pintura decente. Los estudié a todos. Pensé que podría haber algo escondido, pero todo eran tonterías. Sin embargo, la arquitectura era diferente. No fue la arquitectura nazi per se, fue la arquitectura de la época porque estaba conectada con la tradición. Puedes ver el mismo tipo de arquitectura en París y Roma. Las personas ven erróneamente ese tipo de arquitectura como nazi. Por ejemplo, dicen que la arquitectura no debe abrumar a la gente. ¿Pero por qué no? Estamos abrumados todo el tiempo, mira las estrellas, por ejemplo. Un arquitecto debe mostrar esto. Me gusta Karl Marx Allee, en Berlín.

     

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    Librería. Anselm Kiefer. Foto: Elena Cué

     

    ¿Cuál es la importancia de los libros en su vida y en su trabajo?

    Los libros que he hecho representan el sesenta por ciento de mi trabajo. Todavía tengo la mayoría de mis libros anteriores, ya que nunca estuvieron a la venta. 

    ¿Y en relación con la pintura?

    Una pintura es diferente de un libro porque puedes pararte frente a ella y ver una impresión de algo. Cuando lees un libro, pasas las páginas, está conectado al tiempo. Me gusta escribir libros porque puedo mostrar el proceso creativo. Cuando hago una pintura, siempre tengo una guerra en mi cabeza. En cada etapa de la pintura tengo cientos de posibilidades diferentes para elegir. Por ejemplo, cuando Picasso estuvo atascado durante el proceso creativo solía decirle a su esposa, Francoise Gilot, que copiara su pintura para que pudiera llegar a un resultado diferente. Cuando estás pintando siempre tienes que tomar decisiones. A medida que eliges ir de cierta manera, renuncias a otras cien posibilidades. 

     

     Elena Cue entrevista a Anselm Kiefer 

     Anselm Kiefer y Elena Cué. Foto: Waltraud Forelli

     

     

     

    - Entrevista a Anselm Kiefer -                                    - Alejandra de Argos -

Basquiat: Biografía, obras y exposiciones

  • Basquiat: el ruido y la furia

    Jean-Michel Basquiat nació, vivió y murió para destacar. Su fulgurante y breve vida, su potencia artística, su mezcla entre inconformismo y deseo de formar parte de las élites y su impactante obra plástica (que se complementa y dialoga con su poesía y su música) le convirtieron en lo que el experto en arte René Ricard calificó como “el niño radiante” de su época. Y aún más: el nuevo Van Gogh. Tan polémico como poderoso, Basquiat se alza hoy como el paradigma del artista maldito que no renunció en su tiempo a coquetear con la alta sociedad. Actualmente, la indiscutible calidad e importancia de su obra se funde con las voces que niegan la leyenda de su infancia difícil, o que se llevan las manos a la cabeza ante las cifras millonarias que sus cuadros alcanzan en las subastas.

    Indiferente a todo, la figura de Jean-Michel Basquiat sigue alzándose como representante de un arte alejado de las tendencias de la época y con una plástica figurativa que habla por sí sola. Un arte, siempre, pletórico de ruido y de furia.

     

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    Retrato de Jean-Michel Basquiat. En Visitlondon.com

     

    Infancia en Brooklin: de la escuela católica a la City-As-School

    Basquiat nació en el seno de una familia acomodada en 1960, en el barrio neoyorquino de Brooklin. De madre diseñadora y padre contable, su ascendencia mezclaba dos de las etnias tradicionalmente discriminadas en la sociedad estadounidense: la portorriqueña y la haitiana. Su condición de afroamericano (“negro”, como él mismo decía) influyó en su arte durante toda su breve y brillante carrera.

    Tras el divorcio de sus padres el artista en ciernes pasó por varias escuelas, algo que marcó sin duda su infancia. Tras comenzar su educación en una escuela católica, pasó después por hasta cinco colegios públicos hasta bien entrada la adolescencia.

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    Basquiat en su apartamento (1979-89). Foto de Alexis Adler en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver. En 5280.com

     

    Su relación con el arte empieza a muy temprana edad; con tan solo seis años, su madre le hizo “miembro junior” del Museo de Brooklin. El joven Basquiat ya dibujaba de forma compulsiva desde los tres años, bebiendo la inspiración de su entorno: desde la televisión hasta los cómics, pasando por los coches, taxis y autobuses que recorrían las calles. Toda esta vorágine de la cultura urbana se reflejó en sus cuadros durante toda su vida, en forma de vibrantes líneas, brochazos intensos, figuras recortadas en negro y expresiones faciales llevadas al límite. Por otra parte, el pequeño Jean-Michel fue arrollado por un coche y pasó una temporada en el hospital: durante su convalecencia tuvo como compañero el famoso manual Gray’s Anatomy (1958). La visualización de las ilustraciones biológicas, mecánicas y anatómicas de la época tendrían una poderosa influencia en su pintura posterior.

    Con solo quince años Jean-Michel Basquiat consigue entrar en una famosa escuela de arte para niños y adolescentes superdotados que no respondían bien a la enseñanza tradicional: la City-As-School. Su estancia allí no dura mucho: en la graduación de su amigo y compañero Al Díaz (que más tarde será fundamental en su trayectoria artística), Basquiat vierte un cubo de crema de afeitar en la cabeza del director, lo que causa su expulsión fulminante.

     

    Los años de SAMO y la poesía del grafiti

    Si bien se suele pensar que la obra de Jean-Michel Basquiat tiene su origen en el grafiti que floreció en Nueva York en los años 70-80, lo cierto es que sus trabajos de entonces no eran grafitis propiamente dichos. En 1972 y junto con su amigo y compañero de escuela Al Díaz, ambos intervinieron edificios y muros del Lower Manhattan bajo la firma SAMO, acrónico de Same Old Shit. A diferencia de su coetáneo y también influyente artista Keith Haring, cuyo trabajo no se entendería sin el grafiti, las obras que Basquiat realizó en la época son más bien poesías gráficas con intención de epatar, romper y marcar territorio.

    Es en este momento, con SAMO inundando las paredes de las calles de Nueva York y la contracultura cada vez más fascinada por la misteriosa firma, cuando los medios de comunicación y el mundillo artístico de la época empiezan a fijarse en los trabajos de Basquiat. Viendo la repercusión mediática de sus intervenciones, el artista decide ponerles fin con una serie de obras en las que aparecía la inscripción SAMO IS DEAD.

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    Grafiti SAMO IS DEAD (1981). Foto: Henry Flint. En medium.com/thenewstand.

     

    Durante esta época, Basquiat vive en las calles de Nueva York por deseo personal. La necesidad de experimentar, conocer y explorar todo tipo de mundos y submundos siempre estuvo presente en su personalidad de artista y de poeta. Son dos años durante los cuales Basquiat duerme en bancos del parque, consume y vende drogas, pinta camisetas (que vende para comer) y trabaja como DJ en clubs que empiezan a ser frecuentados por la élite de la cultura neoyorquina.

    Este sería el comienzo de su mediática carrera artística, encumbrada por a una aristocracia cultural hambrienta de ídolos malditos. Brillante, con talento, negro, rebelde y sensible: Jean-Michel Basquiat lo tenía todo para convertirse en el niño radiante que brillaría durante la década de los ochenta.

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    Untitled (1981). En Christies.com

     

    Los años del glamour y la influencia del neo-expresionismo alemán

    Si algo caracteriza a la obra de Jean-Michel Basquiat es, sin duda, su inconformismo. Los primeros años 80, cuando empieza a despuntar, viven el reinado del arte conceptual y del minimalismo estético en todas sus formas. El arte es racional, la abstracción ha alcanzado su máxima cota y el concepto reina por encima de la expresión. Basquiat se enfrenta a la tiranía de la intelectualidad artística establecida, e inspirado (y atraído) por el neo-expresionismo alemán de figuras como Willem de Kooning comienza a realizar sus magnéticos lienzos.

    La presencia de la cultura urbana y el trazo del grafiti se mezclan con la tradición figurativa europea: los cuadros de Basquiat son gritos de guerra, poesía y plástica, acertadamente mezclados en el alambique de la contracultura.

     

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    Untitled (Fallen Angel) (1981). En Basquiat.com.

     

    En 1982 se tiene lugar su primera exposición en solitario, en la galería Annina Nosei del SoHo neoyorquino. Es el comienzo de una serie de muestras individuales y colectivas que juntan su obra con la de otros artistas fundamentales de la época, como David Salle o Julian Schnabel. Una año antes, Rene Ricard había publicado en la prestigiosa revista Artforum el artículo que haría despegar definitivamente a Basquiat, convirtiéndole en el objeto de deseo de la aristocracia del arte de los 80: “The Radiant Child”.

     

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    Dustheads (1982). En artofericwayne.com.

     

    El “rey negro” y la amistad con Warhol: una década con fin trágico

    En 1982, Basquiat protagoniza seis exposiciones en solitario y participa en la exclusiva Documenta de Kassel de ese año. Durante esta época, sus lienzos suelen mostrar una figura tan inquietante como todo el imaginario del artista: un “rey negro”, figura coronada que parece representar la potencia de la cultura afroamericana en un oscuro y violento presente. En estos años realiza más de doscientos lienzos con retratos (más psicológicos que formalmente auténticos) de personajes influyentes pertenecientes a esta cultura: desde Muhammad Ali a Dizzy Gillespie. Sus obras empiezan a ser muy cotizadas, mientras que su presencia es demandada en los más exclusivos eventos de la época. Desde principios de los años 80 Basquiat mantiene una estrecha relación con Andy Warhol que influye poderosamente en el trabajo de ambos. Warhol declaró que gracias a él volvió a pintar con pinceles, mientras que el trabajo de Basquiat adoptó parte de la cultura del consumo masivo característica de la obra de Warhol.

    La intensidad con la que Jean-Michel Basquiat creaba tenía un exacto reflejo en su vida. Aficionado a las drogas y la vida nocturna desde su adolescencia, aumentó progresivamente su consumo hasta desarrollar una fuerte adicción por la heroína y la cocaína que provocó su temprana muerte en 1988, a la edad “maldita” de 27 años. Una muerte que truncó una trayectoria artística de enorme intensidad, polémica y poderosa, cuya influencia en el arte posterior se mantiene plenamente vigente en el siglo XXI.

     

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    Riding with Death (1988). En arthive.com.

     

    Exposiciones

    Desde su primera exposición en solitario (celebrada a principios de los años 80) hasta nuestros días, la obra de Jean-Michel Basquiat ha recorrido los museos más importantes del mundo. La fuerte influencia de sus lienzos, grafitis y escritos en el arte contemporáneo explica el enorme interés que su figuradespierta en todos los círculos. Su poder mediático, las cifras escandalosas que han alcanzado algunas de sus obras en las subastas y su intensidad visual siguen moviendo multitudes.

     

    Basquiat - Retrospectiva (2010-11)

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    Para conmemorar el que hubiera sido el 50 cumpleaños de Jean-Michel Basquiat, el Museo de Arte Moderno de la Villa de París celebró una gran retrospectiva que marcó un antes y un después. Fue la primera gran exposición sobre la figura del pintor, poeta y músico neoyorkino celebrada en la ciudad.

     

    The Unknown Notebooks (2015)

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    Los cuadernos desconocidos es el nombre de esta exposición itinerante, celebrada en distintos museos a lo largo del mundo y que reunió ocho cuadernos de bocetos creados por el artista. Todo un compendio de información plástica que revelaba el work in progress del carismático creador.

     

    Boom for Real (2017-18)

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    Boom for Real, la gran retrospectiva sobre la figura de Jean-Michel Basquiat que celebró el Barbican Museum de Nueva York, fue comisariada por dos de los expertos más importantes en la obra del artista: Dieter Buchhart y Eleanor Nairne. La muestra reunió más de cien obras, incluyendo algunas de las obras maestras más relevantes de Basquiat y una gran selección de fotografías, audiovisuales, bocetos, grafitis y escritos.

     

    Libros

    “Basquiat”. Varios Autores. 2010

    Desde sus comienzos en el arte urbano y el grafiti, hasta la creación de las grandes obras que le encumbraron en la cultura artística de los años 80. Este libro traza un recorrido completo de la trayectoria artística de Basquiat, haciendo hincapié en su relación con figuras como Warhol, Keith Haring o Madonna. Magníficamente producida, la edición cuenta con la intervención de Dieter Buchhart, comisario de la retrospectiva Boom for Real (Barbican Museum, Nueva York).

    “Basquiat: A Quick Killing in Art”. Phoebe Hoban. 2015

    Este libro no es una publicación artística, sino la biografía de una figura brillante y de su trágico final. P. Hoban recorre la complicada infancia de Jean-Michel Basquiat y nos muestra su evolución en las calles de Brooklin, desde sus descensos al infierno de la droga hasta sus subidas al olimpo de la cultura neoyorquina. Un profundo repaso a la vida del artista, que permaneció siempre íntimamente ligada a su obra. De lectura imprescindible.

    “Radiant Child: the Story of Young Artist Jean-Michel Basquiat”. Javaka Steptoe. 2016

    El premiado libro ilustrado de J. Steptoe supone una fascinante introducción a la obra de Jean-Michel Basquiat, adaptada al mundo infantil y juvenil. De impactante calidad y a través de los magníficos lienzos del artista, el autor traslada su figura y su obra a los más jóvenes a través de unas ilustraciones que rinden homenaje al artista. Un libro con un mensaje muy claro: “el arte no siempre tiene que ser limpio, claro… ni siquiera hermoso”.

      

     

    - Basquiat: Biografía, obras y exposiciones -                                    - Alejandra de Argos -

El Rock suena en familia

  • 'El Rock suena en familia'  es un espectáculo musical, didáctico e interactivo dirigido a las familias, en el que padres e hijos pueden disfrutar juntos de un recorrido por la historia de la música moderna, a través de un género musical tan cercano a niñas, niños y adultos como es el 'rock and roll'. Con la música en riguroso directo, vamos repasando la historia del 'rock' desde sus orígenes en el 'blues' y los tiempos de esclavitud, hasta nuestros días, pasando por Elvis Presley, Ritchie...

25.08.2018 - Siroco Lounge

  • Los Niños Terribles

28.07.2018 - Siroco Lounge

  • Los Niños Terribles

Actividad: Visitas taller para familias en el primer trimestre de 2017

  • Las familias con niños de 3 a 12 años que quieran disfrutar del Museo de una forma diferente pueden hacer ya su reserva para las visitas taller de fin de semana que tendrán lugar de enero a marzo de 2017. Blanco sobre blanco, La imaginación del artista o (El título es mío) son algunos de los siete recorridos propuestos para los niños de 6 a 12 años; los más pequeños, entre 3 y 5 años, podrán explorar el Museo con los talleres Inspector Thyssen y Hechizo azul. Una forma lúdica y entretenida de acercarse al arte en familia. Más información Reservas para Amigos del Museo Reservas para público general

Actividad: Navidad en el Museo

  • div#colCentralContenidosInt div.informacionExposicion p a:link,div#colCentralContenidosInt div.informacionExposicion p a:visited{ color: #938E71; border-bottom: medium none; display: inline; padding: 0px; background:none; } Durante el periodo navideño y principios de año, además de las exposiciones Renoir: intimidad (hasta el 22 de enero) y Bulgari y Roma (hasta el 26 de febrero), se puede visitar en el balcón mirador y con acceso libre la muestra dedicada a las ilustraciones que Francisco Bores realizó para el poema “El cuervo” de Edgar Allan Poe (hasta el 5 de febrero). Las exposiciones están abiertas en su horario habitual de martes a domingo de 10 a 19h. y los sábados hasta las 21h., excepto los días 24 y 31 de diciembre que el Museo abre hasta las 15h. y los días 25 de diciembre y 1 de enero que permanece cerrado. Además, hasta el 15 de enero, se ha instalado en el hall un belén napolitano del siglo XVIII en el que destacan por su dinamismo y fuerza, las figuras de los ángeles, junto a las que forman el Misterio -la Virgen, el Niño y San José-, los Reyes Magos y la rica escenografía que ilustra la vida cotidiana de la época: vendedores ambulantes, músicos, viajeros, paseantes, compradores, taberneros y un amplio catálogo de oficios que arropan con su vivacidad y expresividad el Nacimiento de Cristo. En cuanto a las actividades, la visita taller de Navidad Fuga en rojo , dirigida a familias con niños de entre 7 y 12 años, propone descubrir las conexiones entre la música y la pintura en los cuadros de la colección, para después poner en práctica las habilidades plásticas y auditivas de los participantes en el taller. Por último, recordar que también mantienen su horario habitual de apertura tanto la Cafetería-Restaurante , como la Tienda-Librería , con su gran variedad de artículos inspirados en las exposiciones o en las obras de la colección y con originales ideas para regalar en estas fechas. Y otra buena idea para regalar estas Navidades es la Tarjeta Amiga del Museo.

Actividad: Nuevas Visitas Taller para Familias

  • Con el inicio del curso escolar, vuelve una vez más el programa de Visitas Taller para Familias, un conjunto de recorridos diseñados y organizados por EducaThyssen con el objetivo de acercar a las familias con niños al mundo del arte. Para los más pequeños, entre 3 y 6 años, continúa Inspector Thyssen y se estrena una nueva actividad llamada “Hechizo Azul”, en la que se experimenta con ideas y emociones asociadas al color. Para chicos y chicas entre 7 y 12 años, la oferta se amplía a un total de siete itinerarios distintos, con la incorporación de “Blanco sobre Blanco”, que gira en torno a la importancia del color, y “(El título es mío)”, en la que se explora la relación entre la creación plástica y la literaria. Las visitas se realizar los fines de semana en diferentes horarios de mañana y tarde, según el itinerario. El plazo de inscripción para el último trimestre del año se abre el 1 de septiembre. Reservas para Amigos del Museo Reservas para público general Más información